Peinture hollandaise de l’âge d’or

La peinture néerlandaise de l’âge d’or ou baroque néerlandaise s’est développée au cours d’une période de l’histoire néerlandaise s’étendant sur le XVIIe siècle, pendant et après la guerre de quatre-vingts ans (1568-1648) pour l’indépendance des Pays-Bas. Les Provinces-Unies étaient la nation la plus prospère d’Europe, à la pointe du commerce, de la science et de l’art. L’art néerlandais a dû se réinventer complètement après la rupture brutale avec les traditions culturelles catholiques de l’ancienne monarchie.

La peinture hollandaise du Siècle d’or présente de nombreuses caractéristiques du baroque européen, mais manque pour l’essentiel de l’idéalisation et de l’amour de la splendeur qui caractérisent une grande partie de l’art baroque, y compris celui de la Flandre voisine. La plupart des œuvres reflètent la tradition du réalisme détaillé héritée des débuts de la peinture flamande.

Un trait distinctif de la période est la prolifération des différents genres de peinture, la plupart des artistes se concentrant sur un seul genre. Cette spécialisation se développe pleinement à partir de la fin des années 1620, et la période allant de cette date à l’invasion française de 1672 constitue le cœur de la peinture du Siècle d’or.

Types de peinture

L’un des traits distinctifs de cette période, par rapport à la peinture européenne antérieure, est la rareté de la peinture religieuse. Le calvinisme néerlandais l’interdisait dans les églises et, bien que les sujets bibliques fussent acceptés dans les maisons privées, on en produisit relativement peu. Il y a eu des peintures d’histoire et des portraits, mais la période est plus remarquable pour une grande variété d’autres genres, subdivisés en de nombreuses catégories spécialisées, telles que les scènes de la vie paysanne, les paysages, les paysages urbains, ou avec des animaux, des paysages marins, des fleurs et des natures mortes de différentes sortes. Les Hollandais du XVIIe siècle ont fortement influencé le développement de ces genres.

La «hiérarchie des genres» en peinture a conduit de nombreux peintres à produire des peintures d’histoire, même si elles étaient les plus difficiles à vendre, comme Rembrandt lui-même l’a constaté. Beaucoup ont été contraints de peindre des portraits ou des scènes de genre, plus faciles à vendre, mais ils n’ont pas rejeté le concept de hiérarchie.

La plupart des tableaux sont de petite taille, à l’exception des portraits de groupe. La peinture murale n’est guère cultivée, les toiles encadrées étant préférées lorsqu’il s’agit de décorer le mur d’un bâtiment public.

Le monde de l’art

Les étrangers ont été surpris par les énormes quantités d’œuvres d’art produites aux Pays-Bas et par les grandes foires au cours desquelles de nombreux tableaux ont été vendus. Avec un tel volume de production, les prix étaient plutôt bas, sauf pour les meilleurs artistes. Ceux qui ne jouissaient pas d’une grande réputation ou qui étaient passés de mode, y compris ceux qui sont aujourd’hui considérés comme les plus grands de l’époque, tels que Vermeer, Frans Hals et Rembrandt à la fin de sa vie, avaient beaucoup de mal à gagner leur vie et mouraient pauvres ; de nombreux artistes exerçaient d’autres métiers ou abandonnaient complètement l’art. En particulier, l’invasion française de 1672 (le Rampjaar, ou «année du désastre») a entraîné une grave dépression sur le marché de l’art, qui n’a jamais retrouvé son niveau d’antan. La diffusion des peintures était très large, puisque même les cordonniers et les forgerons possédaient l’une ou l’autre peinture à côté de leur forge ou dans leur atelier. «Pour la première fois, il existe des marchands professionnels, dont plusieurs sont également des artistes importants, tels que Vermeer et son père, Jan van Goyen et Willem Kalf. Le marchand de Rembrandt, Hendrick van Uylenburgh, et son fils Gerrit comptent parmi les plus importants.
La qualité technique des artistes néerlandais était généralement très élevée. La plupart d’entre eux suivaient l’ancien système médiéval d’apprentissage auprès d’un maître. Les ateliers étaient généralement plus petits qu’en Flandre ou en Italie et ne comptaient qu’un ou deux apprentis à la fois, leur nombre étant limité par les règlements des guildes. Bien que le pouvoir de la guilde de Saint-Luc soit en déclin, il reste considérable dans de nombreux endroits, et de nouvelles guildes sont créées à cette époque. La guilde d’Amsterdam n’avait été fondée qu’en 1579, et entre 1609 et 1611, des guildes ont été créées à Gouda, Rotterdam, Utrecht et Delft, et en 1648 à Leyde. À l’exception des portraits, la plupart des peintures ont été réalisées «sur spéculation», sans être précédées d’une commande spécifique, contrairement à ce qui s’est passé dans d’autres pays ; en cela, le marché de l’art néerlandais était en avance sur son temps.
Les artistes néerlandais se préoccupent moins de la théorie artistique que leurs collègues d’autres pays et sont moins enclins à discuter de leur art. L’intérêt général pour la théorie artistique était beaucoup plus faible dans les cercles intellectuels généraux ou dans le grand public qu’en Italie. L’art néerlandais était une source de fierté nationale, et les principaux biographes sont des sources d’information cruciales. Il s’agit de Karel van Mander (Het Schilderboeck, 1604), qui couvre essentiellement le siècle précédent, et d’Arnold Houbraken (De groote schouburgh der Nederlantsche konstschilders en schilderessen – «Le grand théâtre des peintres hollandais», 1718-21). L’artiste allemand Joachim von Sandrart (1606-1688) avait occasionnellement travaillé en Hollande, et sa Deutsche Akademie parle de nombreux artistes hollandais qu’il a rencontrés. Samuel van Hoogstraten (1627-1678), professeur de Houbraken et élève de Rembrandt, a écrit Zichtbare wereld et Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst (1678) avec des informations critiques plutôt que biographiques ; ils comptent parmi les plus importants traités sur la peinture de l’époque.

Peinture historique

Cette catégorie comprend toutes les peintures qui relatent des événements, qu’il s’agisse d’événements historiques du passé ou de scènes bibliques, mythologiques, littéraires ou allégoriques. Elle a été moins traitée que dans d’autres pays, car il n’y avait pas de marché ecclésiastique local et peu de grands palais baroques aristocratiques à remplir.
Dans ce genre plus que dans d’autres, les Néerlandais ont été influencés par la peinture italienne, qu’ils connaissaient par des copies et des gravures, car peu de peintres néerlandais ont voyagé en Italie. Les artistes néerlandais les plus importants de l’époque, tels que Rembrandt, Vermeer, Hals, Steen et Jacob van Ruisdael, n’ont pas fait ce voyage.

Au début du siècle, de nombreux maniéristes du Nord ont continué à travailler, jusqu’aux années 1630 dans le cas d’Abraham Bloemaert et de Joachim Wtewael. Beaucoup de peintures d’histoire étaient de petite taille et ont été influencées par le peintre allemand Adam Elsheimer, qui s’est installé à Rome, ainsi que par le Caravage (tous deux sont morts en 1610). Comparée au reste de la peinture d’histoire baroque, la peinture d’histoire hollandaise était plus réaliste et racontait les choses de manière plus directe. On les appelle parfois les «pré-Rembrandtistes», car les premières peintures de Rembrandt étaient dans ce style.

Les caravagistes d’Utrecht ont réalisé des peintures d’histoire et de grandes scènes de genre dans un style influencé par les Italiens, faisant souvent un usage intensif du clair-obscur. Utrecht était une ville inhabituelle en ce sens qu’au milieu du siècle, elle comptait encore 40 % de catholiques, et plus encore dans les classes supérieures. Les artistes les plus importants étaient Hendrick ter Brugghen, Gerard van Honthorst et Dirck van Baburen ; l’école était active vers 1630, bien que van Honthorst ait continué à travailler avec succès jusqu’aux années 1650 en tant que peintre de cour anglais, néerlandais et danois dans un style plus classique.
Rembrandt a commencé comme peintre d’histoire avant de connaître le succès financier en tant que portraitiste et n’a jamais abandonné ses ambitions dans ce domaine. Un grand nombre de ses estampes représentent des scènes religieuses narratives, et l’histoire de sa dernière commande historique, La conspiration de Claude Civil (1661), illustre à la fois son attachement à la forme et les difficultés qu’il a rencontrées pour trouver un public.



Portraits

Au XVIIe siècle, l’art du portrait est en plein essor aux Pays-Bas, où une importante classe de marchands commande volontiers des portraits ; la production totale est estimée entre 750 000 et 1 100 000 portraits. Rembrandt connaît sa meilleure période de réussite financière en tant que jeune portraitiste à Amsterdam, mais comme d’autres artistes, il s’ennuie un peu dans cette peinture de la bourgeoisie qui lui est commandée : «les artistes suivaient cette voie sans plaisir», selon van Mander.

L’autre grand portraitiste de cette période est Frans Hals, dont la célèbre agilité du pinceau et la capacité à montrer des modèles détendus et joyeux ajoutent de l’intérêt même à des sujets moins prometteurs, bien que la pose extrêmement insouciante de l’exemple de gauche soit exceptionnelle : «aucun autre portrait de cette période n’est aussi informel». Thomas de Keyser, Bartholomeus van der Helst, Ferdinand Bol et d’autres, dont beaucoup sont mentionnés ci-dessous en tant que peintres d’histoire ou de genre, ont fait de leur mieux pour animer les œuvres plus conventionnelles.
À la fin du siècle, on assiste à une mode qui consiste à montrer les modèles dans un costume à moitié déguisé, à commencer par l’Angleterre de van Dyck dans les années 1630, connu sous le nom de costume «pittoresque» ou «romain». Les modèles de l’aristocratie ou de la milice civique bénéficiaient d’une plus grande liberté que les bourgeois en ce qui concerne les vêtements éclatants et les décors onéreux.

Un type de peinture très particulier était la tronie, qui combinait des éléments de portrait, d’histoire et de scène de genre. Il s’agit généralement d’une représentation en demi-longueur d’un seul personnage montrant une expression ou une humeur inhabituelle. L’identité du modèle importe peu, mais il peut s’agir d’un personnage historique ou d’un costume historique ou exotique. Parmi ceux qui ont développé ce genre, citons Jan Lievens et Rembrandt, dont beaucoup d’autoportraits étaient également des tronies (en particulier dans les estampes).

Le portrait de groupe, qui est en grande partie une invention néerlandaise, était très populaire parmi les nombreuses associations civiques, une partie importante de la vie néerlandaise, comme la milice urbaine, les conseillers et les régents des guildes et des fondations caritatives, et ainsi de suite. Dans la première moitié du siècle surtout, les portraits sont très formels et leur composition est très guindée. Les groupes étaient souvent assis autour d’une table, chaque personne faisant face au spectateur. Une grande attention était accordée aux détails des vêtements et, lorsque cela était possible, aux meubles et autres signes de la position sociale de la personne. Plus tard, les groupes sont devenus plus vivants et les couleurs plus claires.
Les scientifiques posaient souvent avec des instruments et des objets d’étude autour d’eux. Les médecins posaient parfois ensemble autour d’un cadavre, dans ce que l’on appelait une «leçon d’anatomie», la plus célèbre étant la Leçon d’anatomie du docteur Nicolaes Tulp de Rembrandt (1632). Les conseils d’administration préféraient une image d’austérité et d’humilité, posant dans des vêtements sombres, souvent assis autour d’une table et avec une expression solennelle sur le visage. Les familles se font souvent tirer le portrait à l’intérieur de leurs luxueuses demeures. La plupart des portraits de groupes de milices civiques (schutterstuk) ont été commandés à Haarlem et à Amsterdam. Ici, les modèles privilégiaient une image de pouvoir, de statut ou même d’esprit festif. Le placement autour d’une table fera place plus tard à une composition plus dynamique, l’exemple le plus marquant étant la célèbre œuvre de Rembrandt La compagnie de milice du capitaine Frans Banning Cocq, plus connue sous le nom de La Garde de nuit (1642).



Scènes de la vie quotidienne

Avec la peinture de paysage, le développement et l’énorme popularité de la peinture de genre est le trait le plus distinctif de la peinture hollandaise de l’époque. Dans de nombreux cas, il s’agit d’une figure isolée, comme dans La laitière de Vermeer ; dans d’autres cas, de grands groupes sont représentés à l’occasion d’un événement social. On distingue des catégories dans ce genre : personnages isolés, familles de paysans, scènes de taverne, «joyeuse compagnie» avec des personnages jouant de la musique et buvant, femmes travaillant dans leur maison, fêtes dans la ville ou le village, marchés, étables avec chevaux ou animaux de ferme, dans la neige, au clair de lune, etc. Chaque catégorie avait un terme spécifique en néerlandais, et il n’existait pas de terme générique pour toutes ces «scènes de genre». C’est surtout à partir de 1625 que les artistes ont eu tendance à se spécialiser dans l’un de ces sous-genres.
Les peintres de Haarlem Willem Pieterszoon Buytewech, Frans Hals et Esaias van de Velde ont joué un rôle important au début de cette période. Buytewech a peint des «joyeuses compagnies» de jeunes gens finement vêtus, dont la signification moralisatrice peut être aperçue dans les détails. Van de Velde a peint des fêtes de jardin dans des maisons de campagne. Hals était avant tout un portraitiste, mais au début de sa carrière, il a également peint des figures de genre. Un séjour à Haarlem du maître flamand des scènes de taverne paysanne, Adriaen Brouwer, à partir de 1625 ou 1626, a fourni à Adriaen van Ostade le sujet de sa vie, bien qu’il l’ait souvent abordé de manière plus sentimentale. Avant Brouwer, les paysans étaient généralement représentés à l’extérieur ; il les dépeint généralement dans des intérieurs simples et sombres, bien que ceux de van Ostade occupent parfois avec ostentation d’immenses fermes décrépites. Jan Steen s’est spécialisé dans les scènes animées qui finissent par refléter un amusement chaotique, bien que ses peintures semblent souvent dissimuler un message moralisateur, faisant référence à de vieux proverbes et récits néerlandais.
Van Ostade peint soit une figure isolée, soit un groupe, comme les Caravaniers d’Utrecht dans leurs œuvres de genre, et la figure isolée ou les petits groupes de deux ou trois personnes deviennent de plus en plus fréquents, en particulier ceux qui comprennent des femmes et des enfants. L’artiste la plus importante de cette période, Judith Leyster (1609-1660), s’est spécialisée dans ces œuvres avant que son mari, Jan Miense Molenaer, ne la contraigne à abandonner la peinture. L’école des fijnschilder («peintres de qualité») de Leyde se distinguait par la finesse de ses peintures, dont beaucoup étaient de ce type. Gerard Dou, Gabriël Metsu et Frans van Mieris l’Ancien en sont des représentants éminents.

Les scènes de genre reflètent la prospérité croissante de la société néerlandaise. Au fil du siècle, les décors sont devenus de plus en plus confortables, opulents et soigneusement décrits. Parmi les peintres de genre qui ne faisaient pas partie du groupe de Leyde, citons Nicolaes Maes, Gerard ter Borch et Pieter de Hooch, qui partageaient avec Jan Vermeer son intérêt pour la lumière dans les scènes d’intérieur. Longtemps resté dans l’ombre, Vermeer est aujourd’hui le peintre de genre le plus réputé.

Paysages

Le paysage est un genre majeur au XVIIe siècle. Un paysage hollandais plus réaliste a été développé, vu au niveau du sol, avec des peintures souvent basées sur des dessins réalisés en plein air. Les horizons très bas permettent de mettre l’accent sur les formations nuageuses souvent imposantes, si typiques du climat de la région, et qui projettent une lumière très particulière.
La mer est un thème de prédilection, car les Pays-Bas en dépendent pour leurs échanges commerciaux, luttent contre elle pour gagner du terrain et se livrent à des batailles navales avec d’autres nations. En outre, l’intérieur du pays était sillonné de rivières et de canaux. Il n’est donc pas surprenant que le sous-genre de la marine ait connu un énorme succès, que les artistes néerlandais ont porté à un niveau supérieur.

Les artistes les plus importants sont Jan van Goyen (1596-1656), Salomon van Ruysdael (1602-1670), Pieter de Molyn (1595-1661) et le peintre de marine Simon de Vlieger (1601-1653). Salomon van Ruysdael s’est spécialisé dans les petits tableaux de scènes fluviales. Cuyp a peint des scènes de coucher de soleil sur de larges rivières. Parmi les artistes qui ont peint des scènes maritimes ou fluviales au début du siècle, citons Jan Porcellis, Simon de Vlieger et Abraham Storck. Willem van de Velde l’Ancien et son fils sont les maîtres les plus importants des dernières décennies, tendant, comme c’était le cas au début du siècle, à faire du navire le centre d’intérêt, alors que dans les décennies précédentes, l’accent était mis sur la mer et le temps atmosphérique, dans une «phase tonale». Jan van de Cappelle a peint des paysages marins «calmes», avec des mers calmes. Ses tableaux sont caractérisés par la lumière du soleil qui brille sur l’eau, reflétant le lever ou le coucher du soleil.
À partir des années 1650, la «phase classique» des paysages hollandais commence, conservant la qualité atmosphérique, mais avec des compositions plus expressives et des contrastes de lumière et de couleur plus marqués. L’artiste le plus en vue est Jacob Ruysdael (1628-1682), qui a produit un grand nombre et une grande variété d’œuvres, utilisant tous les thèmes typiquement hollandais, à l’exception du paysage italianisant ; à la place, il a produit des paysages «nordiques» de forêts de pins sombres et dramatiques avec des torrents rugissants et des cascades. Son élève fut Meindert Hobbema (1638-1709), surtout connu pour son atypique Avenue de Middelharnis (1689), qui s’écarte de ses scènes habituelles de moulins à vent et de chemins à travers les forêts. Aelbert Cuyp (1620-1691) et Philips Koninck (1619-1688) sont deux autres artistes au style plus personnel et aux tableaux plus grands. Cuyp a repris la lumière dorée italienne et l’a utilisée dans des scènes de coucher de soleil avec un groupe de personnages au premier plan et derrière eux une rivière et un vaste paysage. Les meilleures œuvres de Koninck sont des vues panoramiques, à partir d’une colline, sur de vastes fermes plates, avec un ciel immense.

Il existe un autre type de paysage produit à cette époque, le paysage romantique à l’italienne, avec des montagnes escarpées, une lumière dorée et parfois des détails pittoresques. Jan Both (d. 1652), qui se trouvait à Rome et travaillait avec Claude Lorrain, a joué un rôle prépondérant dans ce sous-genre. On ne connaît que des paysages italiens d’Horatius de Hooch (1652-1686).
Les paysages avec des animaux au premier plan constituent un autre sous-type. Ils ont été peints par Cuyp, Paulus Potter (spécialisé dans les vaches, 1625-1654), Adriaen van de Velde (1636-1672) et Karel Du Jardin (1626-1678, animaux de ferme), Philips Wouwerman peignant des chevaux et des cavaliers dans divers décors. Les animaux les plus représentés sont le cheval et la vache, cette dernière étant un symbole de prospérité pour les Néerlandais.



L’architecture a également fasciné les Néerlandais, en particulier les églises. Au début, ils ont suivi la mode maniériste nordique des palais à la mode et inventé des vues urbaines. Plus tard, ils sont devenus plus réalistes et ont peint l’intérieur et l’extérieur de bâtiments réels, même si ce n’était pas toujours avec exactitude. Plusieurs artistes se sont spécialisés dans les intérieurs d’église. Pieter Jansz Saenredam, dont le père Jan Saenredam a gravé de sensuelles déesses maniéristes nues, a peint des églises gothiques, alors blanchies à la chaux et non peuplées. L’accent qu’il met sur la lumière et la géométrie, avec peu de représentation de la texture de la surface, se distingue d’Emanuel de Witte, qui a représenté des personnes, des sols inégaux, des contrastes de lumière et l’enchevêtrement du mobilier d’église qui subsiste dans les églises calvinistes. Gerrit Berckheyde s’est spécialisé dans les vues non encombrées des rues et places principales des villes, avec les bâtiments les plus importants. Jan van der Heyden préférait les scènes plus intimes des rues tranquilles d’Amsterdam, souvent avec des arbres et des canaux. Il s’agissait de vues authentiques, mais il n’hésitait pas à les ajuster pour obtenir un effet de composition.

Nature morte

La nature morte est un genre qui offre une excellente occasion de montrer la capacité du peintre à rendre les textures et les surfaces dans les moindres détails et avec des effets de lumière réalistes. Les peintres devaient relever le défi de représenter toutes sortes d’aliments disposés sur une table, de l’argent, des motifs complexes et les plis subtils des nappes et des fleurs.

Une distinction était faite entre les banketje («pièces de banquet») et les ontbijtjes («pièces de petit-déjeuner»), plus simples. Presque toutes les natures mortes contenaient un message moralisateur, concernant généralement la brièveté de la vie – ce thème est connu sous le nom de vanitas – sous-entendu lorsqu’il n’y a pas de symbole aussi évident qu’un crâne, ou un symbole moins évident comme un citron à moitié pelé (comme la vie, douce en apparence mais amère au goût). Les fleurs se fanent et les aliments pourrissent, et l’argent est inutile à l’âme. Le message semble toutefois s’affaiblir dans les œuvres plus élaborées de la seconde moitié du siècle. Parmi les peintres de vanités, David Bailly et ses neveux Harmen et Pieter Steenwijck se distinguent.
Au début, les objets de la vie quotidienne étaient représentés, mais à partir du milieu du siècle, les natures mortes ostentatoires («pronkstilleven»), avec des objets coûteux et exotiques, sont devenues plus populaires. Willem Claeszoon Heda (1595-1680) et Willem Kalf (1619-1693) ont marqué le tournant vers les pronkstilleven, tandis que Pieter Claesz (d. 1660) préférait peindre de simples ontbijt («pièces de petit déjeuner»), ou des vanités explicites. Tous ces peintres utilisent des couleurs très sourdes, avec une prédominance des bruns, surtout au milieu du siècle. C’est moins vrai pour les œuvres de Jan Davidszoon de Heem (1606-1684), une figure importante qui a travaillé autour de la frontière à Anvers. Ses œuvres sont dispersées sur les côtés, formant de larges images oblongues, ce qui est inhabituel dans le nord, bien que Heda ait parfois peint des compositions verticales plus hautes.

Les peintures de fleurs forment un sous-groupe avec leurs propres spécialistes. Parmi eux, Jan van Huysum et même parfois une spécialité des quelques femmes artistes, comme Maria van Oosterwyck et Rachel Ruysch ; les Néerlandais étaient également leaders dans le domaine des dessins botaniques et scientifiques, des gravures et des illustrations. Malgré le réalisme intense des fleurs individuelles, les peintures ont été composées à partir d’études individuelles ou même d’illustrations de livres, et des fleurs de saisons très différentes ont été régulièrement incluses dans la même composition. Les mêmes fleurs sont également répétées, tout comme les mêmes objets de table, dans différentes œuvres. Les tableaux ne sont pas réalistes, dans la mesure où les bouquets de fleurs dans des vases n’étaient pas du tout courants dans les maisons de l’époque.



Réputation ultérieure

L’énorme succès de la peinture néerlandaise au XVIIe siècle a fait qu’aucun peintre néerlandais n’a été connu en dehors des Pays-Bas au cours des deux cents années qui ont suivi. Même à la fin du XVIIe siècle, les artistes vivants se plaignaient que le public s’intéressait davantage aux maîtres morts.

Ne serait-ce qu’en raison des énormes quantités produites, la peinture baroque néerlandaise a toujours constitué une part importante des collections de peinture des maîtres anciens. Toutefois, sa réputation a varié au fil du temps, à l’exception de l’admiration persistante pour Rembrandt. D’autres artistes ont connu des changements radicaux en termes de prix et d’appréciation critique. À la fin de la période, certains fijnschilders de Leyde jouissaient d’une grande réputation, mais depuis le milieu du XIXe siècle, les œuvres réalistes sont plus appréciées. Vermeer a été sauvé d’une obscurité presque totale au XIXe siècle, lorsque plusieurs de ses œuvres ont été attribuées à d’autres ; mais le fait que tant de ses œuvres se trouvaient déjà dans de grandes collections, souvent attribuées à d’autres artistes, montre que la qualité des peintures individuelles était reconnue, même si l’ensemble de leur travail était ignoré.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le réalisme terreux de la peinture hollandaise était un «goût whig» en Angleterre, et en France, il était associé au rationalisme des Lumières et aux aspirations à la réforme politique. Au XIXe siècle, avec le respect presque universel du réalisme et le déclin final de la hiérarchie des genres, les peintres contemporains ont commencé à emprunter aux peintres de genre à la fois leur réalisme et leur utilisation des objets à des fins narratives, et ont peint eux-mêmes des sujets similaires, cultivant tous les genres dans lesquels les Hollandais avaient été les pionniers.

Dans le genre du paysage, les artistes italianisants étaient les plus influents et les plus appréciés au XVIIIe siècle, mais John Constable faisait partie des romantiques qui les dénonçaient pour leurs artifices et leur préféraient les artistes tonals et classiques. En fait, les deux groupes sont restés influents et populaires jusqu’au XIXe siècle.

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