Alexander Goehr (Berlin, 10 août 1932) est un compositeur et universitaire anglais.
Alexander Goehr est né à Berlin, fils du compositeur allemand Walter Goehr (1903-1960), important disciple d’Arnold Schönberg. Il a étudié au Royal Northern College of Music de Manchester (1952-55), où il a partagé les salles de classe avec Peter Maxwell Davies, Harrison Birtwistle, John Ogdon et Elgar Howarth. Ensemble, ils ont formé le groupe « New Music Manchester », qui se consacre à l’interprétation de la musique contemporaine. En 1956, il se rend à Paris pour étudier au Conservatoire de Paris avec Olivier Messiaen. La même année, il se rend à Darmstadt, où son œuvre pour orchestre, Fantasia, est jouée pour la première fois. Pendant qu’il vivait à Paris en 1956-57, Goehr a également reçu des leçons particulières de Pierre Boulez.
En 1971, il est nommé professeur de musique à l’université de Leeds, avant d’occuper, en 1976, un poste similaire à l’université de Cambridge, poste qu’il conservera jusqu’en 1999.
Premiers travaux
La première œuvre publiée de Goehr est la Sonate pour piano (1953), une œuvre fluide et idiomatique qui fait le lien entre Prokofiev et le sérialisme (Prokofiev était décédé en mars de cette année-là, et la sonate commémore ce fait par une brève citation de sa Septième Sonate). Les œuvres de Goehr à partir du milieu des années 1950 tendent à être plus austères et adhèrent étroitement au système traditionnel schoenbergien de la technique des douze notes. Le premier succès international de Goehr fut sa cantate The Deluge (1958), basée sur des textes d’Eisenstein, qui fit sensation lors de sa première représentation, sous la direction de son père. Il s’agit d’une œuvre lyrique, plus cohérente sur le plan harmonique et beaucoup plus dramatique que la plupart des musiques sérielles de l’époque. Son impact sur les collègues de Goehr à Manchester semble également avoir été considérable : elle est reprise, en termes d’écriture vocale et instrumentale, par Maxwell Davies dans ses Leopardi Fragments (1961) et par Birtwistle dans sa Monody for Corpus Christi (1960).
Suite au succès de The Deluge, Goehr se voit commander une pièce pour l’orchestre des BBC Promenade Concerts (Hecuba’s Lament) et une longue cantate pour chœur, baryton et grand orchestre, Sutter’s Gold, (1961), toujours sur des textes d’Eisenstein. Cependant, la première au Festival de Leeds n’a pas eu de succès et a provoqué un éditorial cinglant dans le Times, qui affirmait que l’œuvre marquait la fin de la tradition chorale britannique.
Malgré cela, Goehr a continué à composer des œuvres chorales. Encouragé par son amitié avec le chef de chœur John Alldis, qui était fermement engagé en faveur de la musique nouvelle, Goehr a composé ses Two Choruses (1962), une œuvre dans laquelle il a utilisé pour la première fois l’harmonie déclinée caractéristique du sérialisme modal, qui allait rester sa principale ressource technique pendant les 14 années suivantes. En bref, des parties d’une série sont laissées sur d’autres segments de la série originale afin d’obtenir un vocabulaire intervallaire limité, dans lequel certains types de tons et d’agrégats harmoniques tendent à prédominer. Le résultat est euphonique, harmoniquement cohérent et s’éloigne véritablement du chromatisme dense du système classique à 12 tons de Schoenberg.
La technique de rotation de Goehr, tant en tant que procédé technique qu’en termes de résultats harmoniques, a beaucoup en commun avec l’idée du « bloc sonore » de Boulez, une idée dérivée de la segmentation de la série en unités plus petites qui se multiplient les unes les autres. Mais contrairement à Boulez, Goehr conserve une relation forte et durable avec les préceptes de Schoenberg, comme il l’exprime dans ses écrits ultérieurs (rassemblés dans l’anthologie Style and Idea). Comme Schoenberg, Goehr est attaché à la revitalisation des formes occidentales traditionnelles, telles que la sonate, la symphonie et la fugue. Cela rend sa musique difficile à classer, car elle n’est pas purement traditionnelle, mais elle ne rejette pas non plus certaines caractéristiques de l’avant-garde esthétique de l’après-guerre. Cela a donné lieu à des opinions telles que celles du compositeur et critique Bayan Northcott, qui a qualifié Goehr de « conservateur radical ».
Goehr a appliqué pour la première fois le nouveau sérialisme modal à grande échelle dans sa Petite symphonie pour cordes (1962). Il s’agit d’une œuvre commémorative pour son père, Alexander Goehr, compositeur et chef d’orchestre, décédé inopinément. Elle utilise une série d’accords subtilement inspirés (sans être cités) du mouvement Les Catacombes des Tableaux d’une exposition de Músorgski (Alexander Goehr avait effectué une analyse harmonique approfondie de ce mouvement inhabituel et avait également publié sa propre orchestration des Tableaux d’une exposition, en excluant toutefois Les Catacombes). La série de chorals d’Alexander Goehr est plus riche que l’original de Moussorgski, avec une forte prédominance des tierces et des sixtes, et des fausses relations proéminentes entre accords adjacents. Elle constitue l’intégralité du premier mouvement de la Petite symphonie. Le reste de l’œuvre est en fait une gigantesque série de variations sur la série d’accords, bien qu’en réalité seul le deuxième mouvement soit expressément désigné comme « variations ». Le scherzo du troisième mouvement offre un contraste marqué avec son écriture stridente pour les bois, qui fait clairement écho au retour de la série d’accords de base dans le trio lent. Le finale alterne deux types de musique très contrastés – tous deux basés sur le choral : une lente complainte et une musique beaucoup plus rapide, ponctuée de cadences rythmiques – qui est restée une caractéristique de la phase de maturité de Goehr. La coda qui clôt l’œuvre est une dernière variante du thème de l’ouverture de toute la symphonie.
Derniers travaux
Les œuvres ultérieures des années 1960 comprennent une Symphonie (1969), qui fusionne sonate, fantaisie et variations en un discours d’une demi-heure. L’harmonie est l’une des plus luxuriantes et articulées de Goehr, avec une orchestration richement détaillée. La coda, étonnamment discursive, laisse délibérément des fils harmoniques irrésolus, suspendus à un accord de cuivre lumineux. Au cours de cette période, Goehr a également composé la Romanza pour violoncelle et orchestre, créée en 1968 au festival de Brighton par Jacqueline du Pré, sous la direction de son mari Daniel Barenboim et du New Philharmonia Orchestra. Elle a déclaré que cette œuvre « lui convenait parfaitement » et qu’elle est restée la seule musique contemporaine qu’elle ait jamais jouée (elle a fait l’objet de CD non officiels). Bien que très mélodique, l’œuvre a aussi son côté sombre, avec des intimations inquiétantes, et prouve la viabilité expressive et la flexibilité du sérialisme modal de Goehr.
Le premier opéra de Goehr, Arden Must Die, a également été composé au cours de cette période et s’avère être une adaptation puissante de la morale jacobine qui a mis les politiciens contemporains mal à l’aise en raison de ses résonances sociales. Bien qu’il ait connu un grand succès lors de sa création à Hambourg et qu’il ait été programmé à nouveau dans les années suivantes, il n’a pas été joué en Grande-Bretagne depuis.
La musique de chambre de Goehr comprend des œuvres telles que le Trio pour piano commandé par Yehudi Menuhin. Il s’agit d’une œuvre en deux parties, dont le premier mouvement, dansant, basé sur un thème et des variations, est contrebalancé par un mouvement lent intense, qui s’ouvre sur une mélodie germinale au violoncelle et se développe à travers des passages obsessionnels, quasi extatiques, jusqu’à la conclusion. Les deuxième et troisième quatuors à cordes (1967 et 1976) ne sont pas moins réussis en termes de combinaison harmonique avec des innovations traditionnellement de grande envergure.
Le troisième quatuor (1976) est la dernière œuvre de Goehr composée selon sa forme personnelle de sérialisme. Avec l’œuvre Psaume 4, il abandonne le sérialisme pour un monde harmonique purement modal (l’œuvre comporte de longs passages écrits presque entièrement avec les notes blanches du clavier), mais pas un « modalisme spirituel », si à la mode quelques années plus tard. Le contrepoint est austère, mais sonore et ne manque pas de tension.
Goehr a été la vedette des Reith Lectures en 1987, sous le titre The Survival of the Symphony.
Références
Les mêmes références sont citées que dans l’article de la Wikipédia anglaise, dont il s’agit d’une traduction.