Les quatre stades de la cruauté

Encyclopédie

Les quatre étapes de la cruauté est une série de quatre gravures publiées par l’artiste anglais William Hogarth en 1751, chacune représentant une étape différente de la vie du personnage fictif Tom Nero. La trajectoire de Nero commence dès l’enfance avec la torture d’un chien dans « First Stage of Cruelty », évolue avec le temps et en tant qu’homme, il bat son cheval dans « Second Stage of Cruelty » et passe ensuite au vol, à la séduction et au meurtre dans « Cruelty in Perfection ». Enfin, dans « La récompense de la cruauté », il subit ce que Hogarth appelle le sort inévitable de ceux qui suivent la voie de Néron : son corps est retiré de la potence après son exécution pour meurtre et mutilé par des chirurgiens dans un amphithéâtre anatomique.

Les estampes se voulaient une leçon de morale – Hogarth était consterné par la cruauté routinière dont il était témoin dans les rues de Londres – et ont été imprimées sur du papier bon marché parce qu’elles étaient destinées aux classes inférieures. La série fait preuve d’une brutalité et d’une dureté d’exécution qui ne sont pas tempérées par les touches d’humour communes aux autres œuvres de l’artiste, mais qu’il jugeait nécessaires pour que son message impressionne le public. Néanmoins, les images montrent l’abondance de détails et de références subtiles qui sont caractéristiques de Hogarth.

Histoire

Comme d’autres gravures de Hogarth, telles que Beer Street et Gin Lane, The Four Stages of Cruelty (Les quatre étapes de la cruauté) a été publiée dans l’intention de mettre en garde contre les comportements immoraux. Cette série montre à quel point il est facile de passer du statut d’enfant tyran à celui de criminel condamné. L’artiste aimait les animaux, se peignant même avec son carlin dans un autoportrait, et avait l’habitude de marquer les tombes des chiens et des oiseaux qu’il enterrait dans sa maison de Chiswick.

Hogart a délibérément réalisé des gravures peu subtiles, car il voulait que « les hommes du rang le plus bas » puissent comprendre les gravures lorsqu’ils les verraient sur les murs des ateliers ou des tavernes. Les images elles-mêmes, comme Beer Street et Gin Lane, ont été dessinées grossièrement, sans la présence des lignes fines de certaines de ses autres œuvres. Une gravure fine et un travail artistique délicat auraient rendu les estampes trop chères pour le public visé ; en outre, l’artiste estimait qu’un trait audacieux pouvait dépeindre les passions des sujets aussi bien que des lignes fines et notait que « la grande exactitude d’un dessin fin ou d’une gravure n’était pas du tout nécessaire ».
Pour s’assurer que les gravures seraient abordables, il a d’abord demandé à J. Bell de produire les quatre dessins gravés sur bois, ce qui s’est avéré plus coûteux que prévu, de sorte que seules les deux dernières des quatre images ont été gravées, mais elles n’ont pas été imprimées à des fins commerciales à l’époque. Au lieu de cela, Hogarth réalisa lui-même les gravures et annonça leur publication, ainsi que celle des gravures de Beer Street et de Gin Lane, dans le London Evening Post pendant trois jours à partir du 14 février 1751. Les gravures elles-mêmes ont été publiées le 21 février 1751, chacune accompagnée d’un commentaire moralisateur rédigé par l’ami de Hogarth, le révérend James Townley. Comme les gravures précédentes, telles que Industry and Idleness, les gravures individuelles ont été vendues sur du papier « commun » pour un shilling, suffisamment bon marché pour être achetées par les classes inférieures en tant qu’instrument d’orientation morale. Des versions « fines », imprimées sur du papier « supérieur », étaient également proposées aux collectionneurs pour un shilling et six pence.

Des variantes des planches III et IV datées du 1er janvier 1750 existent à partir des gravures sur bois originales de Bell et ont été réimprimées par John Boydell en 1790, mais ces copies sont rares.

Impressions

Dans la première estampe, intitulée « Première étape de la cruauté », Hogarth présente Tom Nero, dont le nom pourrait être inspiré de l’empereur romain Néron, orthographié Nero, ou une contraction de « no hero » (pas de héros). Bien visible au centre de l’image, Tom est représenté en train d’insérer une flèche dans le rectum d’un chien, aidé par d’autres enfants, une torture apparemment inspirée d’un démon punissant un pécheur dans La tentation de saint Antoine de Jacques Callot. Un emblème sur l’épaule de son manteau délavé et en lambeaux indique qu’il est élève de l’école de charité de la paroisse de St Giles. Hogarth a utilisé cette zone marginale comme arrière-plan pour nombre de ses œuvres, notamment Gin Lane et Noon, la dernière partie de la série Four Times of the Day (Les quatre moments de la journée). Un garçon au cœur plus tendre, peut-être le propriétaire du chien, est représenté en train de supplier Néron d’arrêter de tourmenter l’animal effrayé, lui offrant même de la nourriture pour tenter de l’apaiser. Ce garçon est censé représenter un jeune George III du Royaume-Uni. Son apparence est délibérément plus agréable que celle des ruffians dans le reste de la peinture, et ses intentions sont notées dans le texte accompagnant la scène :

Tandis que diverses scènes de malheur sportif,
La race infantile emploie,
Et les victimes torturées saignent,
Le tyran dans le garçon.

Voici un jeune au cœur plus doux,
Pour épargner la douleur de la créature,
Prends, s’écrie-t-il, prends toute ma tarte,
Mais les larmes et la tarte sont vaines.
Apprenez de ce bel exemple – vous
que les sports sauvages ravissent,
Comment la cruauté dégoûte la vue,
Tandis que la pitié charme la vue.

Alors que diverses scènes d’affliction pour le plaisir
le genre enfantin emploie,
et que le sang des victimes torturées montre
Le tyran dans l’enfant,

Voici un jeune homme au coeur plus tendre,
Pour épargner la douleur à la créature,
Oh, prenez ! -Il supplie, « prenez tout mon gâteau »,
Mais les larmes et les gâteaux sont vains.



Apprends de ce bel exemple, toi,
Que les amusements sauvages ravissent,
Comme la cruauté déplaît à la vue,
tandis que la compassion réjouit l’oeil.
Les autres garçons accomplissent des actes tout aussi barbares : les deux garçons du haut brûlent les yeux d’un oiseau avec une aiguille brûlante, qui est chauffée dans une torche pour éclairer la rue ; les garçons du premier plan tirent le coq (peut-être une allusion à l’hostilité nationaliste envers les Français et une suggestion que l’action se déroule le mardi gras, le jour traditionnel pour tirer le coq) ; un autre garçon attache un os à la queue d’un chien pour le tenter, tout en le gardant hors de sa portée ; un groupe de garçons moqueurs pendent par la queue deux chats qui se battent ; dans le coin inférieur gauche, un chien rencontre un chat ; et au fond de l’image, un autre chat est jeté d’une fenêtre, attaché à deux vessies. Le nom de Tom Nero est écrit sous le dessin à la craie d’un homme pendu à la potence, ce qui laisse présager de son sort final ; le sens est précisé par l’artiste de l’école qui pointe vers Tom. L’absence des responsables paroissiaux qui devaient contrôler les enfants est un reproche intentionnel de la part de Hogarth ; il était d’accord avec Henry Fielding pour dire que l’une des causes de l’augmentation du taux de criminalité était le manque d’attention de la part des surveillants des pauvres, qui n’étaient souvent intéressés par ces postes que pour le statut social et les récompenses financières qu’ils pouvaient apporter.
Sous le texte, la paternité est indiquée : Dessiné par W. Hogarth, publié en vertu de l’Acte du Parlement du 1er février 1751. L’acte du Parlement auquel il est fait référence est le Copyright in Prints Act 1734. Bon nombre de ses œuvres antérieures avaient été reproduites en grand nombre sans son autorisation et sans paiement de redevances. Soucieux de protéger son patrimoine artistique, Hogarth a encouragé ses amis du Parlement à adopter une loi protégeant le droit d’auteur des graveurs. Il a joué un rôle si important dans l’adoption du projet de loi que celui-ci a été connu sous le nom de « loi Hogarth ».
Dans la deuxième étape, « Deuxième étape de la cruauté », la scène se déroule à la Thavies Inn Gate, ironiquement parfois appelée « Thieves Inn Gate », c’est-à-dire la porte de la Thieves Inn, l’une des Inns of Chancery, qui abritait les associations de barristers à Londres. Tom Nero a grandi pour devenir cocher et la cruauté récréative de l’écolier s’est transformée en cruauté professionnelle de l’homme de travail. Le cheval de Tom, usé par des années de mauvais traitements et de surcharge, s’est effondré, s’est cassé la jambe et a renversé la voiture. Inconscient de la douleur de l’animal, Tom le frappe si furieusement qu’il lui arrache un œil. Dans un aparté satirique, Hogarth montre quatre avocats costauds qui se débattent pour sortir de la voiture dans des conditions ridicules. Il s’agit probablement de caricatures d’éminents juristes, mais Hogarth n’a pas révélé les noms des sujets et ils n’ont pas été identifiés. Ailleurs dans la scène, d’autres actes de cruauté envers les animaux ont lieu : un berger bat un mouton à mort, un âne est conduit de force alors qu’il est surchargé, et un taureau enragé jette en l’air l’un de ses bourreaux. Certains de ces actes sont à nouveau relatés dans le commentaire moralisateur qui accompagne l’ouvrage :

Le généreux destrier de l’âge antique,
Subjugué par les mensonges du travail ;
Et pleure la rage d’un maître cruel,
Alors que la nature lui refuse la force.

L’agneau tendre, qui s’enfonce et s’évanouit,
Au milieu des jets qui expirent ;
Bêle sa plainte innocente
Et meurt sous les coups.
Misérable inhumain ! Dis-moi d’où vient cette lâche cruauté
Cette lâche cruauté ?
Quel repos naît des actes de barbarie ?
Quelle joie de la misère ?

Le généreux coursier de l’âge vénérable
Se trouve épuisé par le labeur, et se lamente
Et se lamente de la fureur de son cruel maître
Alors que la nature le prive de force.



Le tendre agneau, épuisé et évanoui,
Dans des spasmes d’agonie,
Souffle encore et encore sa plainte innocente
et meurt sous les coups.

Misérable inhumain ! Dites, d’où vient cette lâche cruauté
cette lâche cruauté ?
Quel intérêt y a-t-il à ces actes de barbarie ?
Quelle joie dans la misère ?
Dans cette gravure, la cruauté s’est étendue aux mauvais traitements infligés aux personnes. La scène montre un enfant écrasé par une charrette alors qu’il joue, tandis que le conducteur s’assoupit, inconscient de la blessure du garçon et de la bière qui s’écoule des tonneaux. À l’arrière-plan, des affiches annoncent un combat de coqs et un match de boxe, preuve supplémentaire des divertissements brutaux privilégiés par les sujets de la photo. Le match de boxe devait avoir lieu à l’amphithéâtre de Broughton, un lieu notoirement violent fondé par Jack Broughton, le « père du pugilat » ; une publicité contemporaine indique que les concurrents se battaient avec la jambe gauche attachée au sol et que celui qui avait le moins de blessures saignantes remportait la victoire. L’un des participants annoncés au combat de boxe est James Field, qui a été pendu deux semaines avant la publication des gravures et qui apparaît à nouveau dans la dernière image de la série ; l’autre participant est George Taylor « le barbier », qui avait été champion d’Angleterre et s’était retiré en 1750. Après la mort de Taylor en 1757, Hogarth a réalisé quelques croquis de lui luttant contre la mort, probablement pour sa tombe.

En écho à la première image, une seule personne se préoccupe du bien-être du cheval tourmenté. À la gauche de Néron et très discrètement, un homme observe le numéro de la calèche avec l’intention de le signaler.
Au moment de la troisième étape, « Cruauté dans la perfection », Tom Nero est passé de la maltraitance des animaux au vol et au meurtre. Après avoir encouragé sa maîtresse enceinte, Ann Gill, à voler et à quitter sa maîtresse, il finit par l’assassiner. Le meurtre est particulièrement brutal : le cou, le poignet et l’index sont presque entièrement coupés. La boîte contenant les affaires d’Ann, ainsi que les biens qu’elle avait volés, gît sur le sol à côté d’elle, et l’index partiellement sectionné de sa main pointe vers les mots : « God’s vengeance on murder », écrits dans un livre qui, avec le Book of Common Prayer, est tombé de la boîte. Une femme fouillant les poches de Néron découvre des pistolets et plusieurs montres de poche, preuve qu’elle est un bandit de grand chemin (comme l’était Tom Idle dans Industry and Idleness), ainsi qu’une lettre d’Ann Gill, dans laquelle on peut lire : « L’orthographe est parfaite :

L’orthographe est parfaite et, bien que cela puisse paraître irréaliste, Hogarth a délibérément évité toute possibilité de rendre la scène comique. Sur le sol, une enveloppe jetée est adressée « à Nero in Pinne ». Ronald Paulson voit un parallèle entre l’agneau battu à mort dans la deuxième scène et la jeune fille sans défense tuée dans celle-ci. Sous l’estampe, le texte indique que Néron, s’il n’a pas de remords, est au moins stupéfait de ses actes :

À l’amour sans foi ni loi une fois trahi.
Le crime succède bientôt au crime :
Enfin séduite par le vol, la jeune fille
saigne de son béguineur.
Mais apprends, homme séduisant, ni la nuit,
Avec tous ses nuages de sable,
ne peut soustraire à la vue l’acte coupable ;
Le meurtre odieux crie à haute voix.



Les blessures béantes et l’acier taché de sang,
choquent maintenant son âme tremblante :
Mais Oh ! quelles douleurs sa poitrine doit-elle ressentir,
Quand la mort sonnera son glas.

L’amour illicite, une fois trahi,
succède bientôt au crime pour le crime :
Finalement incitée au vol, la jeune fille
A cause de celui qui l’a incitée, saigne.

Apprends donc, homme séduisant ! Ni la nuit
Avec tous ses nuages noirs
Ne peut cacher l’acte coupable ;
Tu es un immonde meurtrier », crie-t-il d’une voix forte.

Les blessures profondes et l’acier ensanglanté
Horrifient maintenant son âme tremblante :
Mais, oh, quel remords sa poitrine doit-elle ressentir
Quand la mort sonnera son glas.



Plusieurs éléments de l’estampe sont destinés à intensifier les sentiments d’effroi : le meurtre a lieu dans un cimetière, qui a été décrit comme étant à St Pancras, mais qui, selon John Ireland, ressemble à Marylebone ; un hibou et une chauve-souris volent autour de la scène ; la lune éclaire le crime ; l’horloge indique qu’il reste une heure avant la fin de l’heure de la sorcellerie. La composition de l’image peut faire allusion à L’arrestation du Christ d’Anthony van Dyck. Un bon samaritain solitaire apparaît à nouveau : parmi les visages furieux des accusateurs de Tom, un seul visage regarde vers le ciel en signe de tristesse.
Dans l’image alternative de cette étape, réalisée par Bell sous forme de gravure sur bois, Tom a les mains libres. Il y a également des différences dans le libellé de la lettre, et certains éléments, comme la lanterne et les livres, sont plus grands et plus simples, tandis que d’autres, comme l’homme à la gauche de Tom et le buisson topiaire, ont été supprimés. Le hibou est devenu un sablier ailé dans la tour de l’horloge, et la phase de la lune a été inversée.

Dans la quatrième étape, La récompense de la cruauté, après avoir été jugé et condamné pour meurtre, Néron a été pendu et son corps a été donné pour l’ignoble processus de dissection publique. Un an après la publication des estampes, la loi sur le meurtre de 1751 allait garantir que les corps des meurtriers seraient remis à des chirurgiens afin qu’ils puissent être « disséqués et analysés ». À l’époque où Hogarth a réalisé ses estampes, cette disposition n’était pas encore inscrite dans la loi, mais les chirurgiens cherchaient à obtenir des corps partout où ils le pouvaient.
Un tatouage sur son bras identifie Tom Néron et la corde encore autour de son cou indique la méthode d’exécution. Les dissecteurs, au cœur endurci par des années de travail avec des cadavres, sont montrés comme ayant au mieux le même sentiment pour le corps que Néron pour ses victimes ; son œil est arraché comme pour le cheval et un chien se nourrit de son cœur, comme pour se venger poétiquement des tortures infligées à l’un des siens dans la première impression. Le visage de Néron semble tordu par l’agonie et, bien que cette représentation ne soit pas réaliste, Hogarth avait l’intention d’accroître la peur des spectateurs. Tout comme le doigt de son amant assassiné indiquait le destin de Néron dans Cruauté dans la perfection, dans cette estampe, le doigt de Néron pointe vers les os préparés pour l’exposition, indiquant son destin ultime.

Tandis que les chirurgiens travaillant sur le corps sont observés par les universitaires coiffés au premier rang, les médecins, reconnaissables à leurs perruques et à leurs cannes, ignorent largement la dissection et se consultent entre eux. Le président a été identifié comme étant John Freke, président du Royal College of Surgeons à l’époque. Freke avait été impliqué dans une tentative très médiatisée d’obtenir la dissection du corps de l’émeutier condamné Bosavern Penlez en 1749. Outre la dissection trop zélée du corps et l’ébullition des os in situ, l’image représente la procédure comme si elle avait déjà été effectuée.
Deux squelettes situés à l’arrière, à gauche et à droite de l’estampe sont identifiés comme étant James Field, un célèbre boxeur dont le nom figure sur une pancarte dans la deuxième planche, et Macleane, un célèbre voleur. Les deux hommes ont été pendus peu avant la publication de l’estampe (Macleane en 1750 et Field en 1751). Les squelettes semblent pointer l’un vers l’autre. Le nom de Field sur le squelette de gauche pourrait avoir été remplacé à la dernière minute par « GENTL HARRY », en référence à Henry Simms, également connu sous le nom de « Young Gentleman Harry ». Le motif de l' »homme de bien » solitaire est également repris dans cette dernière scène, où l’un des érudits montre le squelette de James Field, indiquant l’issue inévitable pour ceux qui s’engagent sur la voie de la cruauté.

La composition de la scène est un pastiche de la page de titre du De Humani Corporis Fabrica d’Andrew Vesalius, et emprunte peut-être aussi quelques éléments à Quack Physicians’ Hall (vers 1730) de l’artiste néerlandais Egbert van Heemskerck, qui vivait en Angleterre et dont Hogarth admirait le travail. Une source d’inspiration plus ancienne pourrait avoir été une gravure sur bois présente dans le Fasciculus Medicinae (1495) de Johannes de Ketham, qui, bien que plus simple, comporte de nombreux éléments identiques, notamment le président assis flanqué de deux fenêtres.

Sous la gravure se trouvent les mots de conclusion suivants :
Voyez la disgrâce du méchant !
La mort elle-même ne peut y mettre fin.
Il ne trouve pas de lieu de sépulture paisible,
Sa Corse essoufflée n’a pas d’ami.



Arrachée à la racine, cette méchante langue,
Qui jurait et jurait tous les jours !
Ces globes oculaires arrachés de leurs orbites,
Qui brillaient d’une convoitise sans loi !

Son cœur exposé aux regards indiscrets,
La pitié n’est pas de mise ;
Mais, épouvantable ! de ses os s’élèvera,
Son monument de honte.

Voyez la disgrâce calamiteuse de l’homme méchant,
A laquelle la mort elle-même ne peut mettre fin !
Il ne trouve pas de tombeau paisible,
Son corps sans vie ne trouve pas non plus d’ami.



La langue perverse, arrachée par les racines
Qui chaque jour maudissait et injuriait !
Sortis de leurs orbites, ces yeux
Qui brillaient d’une convoitise illicite !

Son cœur, exposé aux regards inquisiteurs !
N’a pas trouvé de pitié ;
Mais, horreur, de ses os sera érigé
Son monument de honte.

Réception

Hogarth est satisfait du résultat de son travail. Le European Magazine rapporte les commentaires de l’artiste à un libraire de Cornhill (M. Sewell).

  • Dans son livre inachevé, Apologie pour les peintres, il commente encore :
    Dans son livre de 1817, Shakespeare and His Times, Nathan Drake a déclaré qu’il pensait que la représentation du « cock shooting » dans la première impression était destinée à influencer l’opinion publique sur cette pratique, qui était courante à l’époque, et à inciter les magistrats à adopter une attitude plus dure à l’égard des contrevenants. D’autres n’étaient pas aussi enthousiastes à l’égard de la série. Charles Lamb l’a qualifiée de simple caricature, indigne de figurer parmi les autres œuvres de Hogarth, mais de produit d’un « humour fantaisiste » en marge de ses habitudes. L’historien de l’art Allan Cunningham a lui aussi nourri des sentiments très forts à l’égard de la série.

    La loi sur l’anatomie de 1832 a mis fin à la dissection des meurtriers, et la plupart des tortures d’animaux représentées dans les images ont été interdites par la loi sur la cruauté envers les animaux de 1835. Ainsi, dans les années 1850, The Four Stages of Cruelty était considéré comme un feuilleton historique, même s’il avait encore la capacité de choquer, une capacité qu’il conserve pour les téléspectateurs d’aujourd’hui.

    Cette page est basée sur l’article de Wikipedia :

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