Rebecca Helferich Clarke (Harrow, 27 août 1886 – New York, 13 octobre 1979), également connue sous le pseudonyme d’Anthony Trent et sous son nom de femme mariée Rebecca Clarke Friskin, était une compositrice, musicologue et altiste britannico-américaine. Reconnue internationalement comme virtuose de l’alto, elle est également devenue l’une des premières interprètes professionnelles de musique orchestrale.
Elle a étudié à la Royal Academy of Music et au Royal College of Music de Londres, où elle a étudié la composition avec Charles Villiers Stanford, et a finalement adopté l’alto comme source de base pour son travail de pianiste de concert et de musicienne. Elle a formé un remarquable quatuor avec les violonistes Adila et Jelly D’Arangi et la violoncelliste Suggia. En 1916, elle part pour les États-Unis et se consacre à l’enseignement et aux ensembles de chambre à New York. Elle effectue ensuite des tournées dans les centres musicaux les plus célèbres de plusieurs continents en tant que soliste alto, tout en devenant une musicologue très respectée. Elle a revendiqué les citoyennetés britannique et américaine et a passé une grande partie de sa vie aux États-Unis, où elle s’est installée définitivement après la Seconde Guerre mondiale. Elle a épousé le compositeur et pianiste James Friskin en 1944. Clarke est décédée à son domicile de New York à l’âge de 93 ans.
Bien que sa production musicale n’ait pas été très importante, son œuvre a été reconnue pour son talent de composition et sa puissance artistique. Certaines de ses œuvres sont encore inédites (et beaucoup ont été publiées récemment) ; celles qui ont été publiées de son vivant ont été largement oubliées après qu’il a cessé de composer. Les études et l’intérêt pour ses compositions ont repris en 1976. La Rebecca Clarke Society a été créée en 2000 pour promouvoir l’étude et l’interprétation de sa musique. Ses œuvres publiées comprennent Lullaby and the Grotesque, deux duos pour alto et violoncelle de 1918, la Sonate pour alto et piano de 1919, des trios avec piano de 1921, Psalm for choir de 1920, des chansons avec piano, la Rhapsodie pour violoncelle et piano de 1923, des chansons avec accompagnement de violon, des chansons sur des thèmes irlandais, etc.
Biographie
Rebecca Clarke est née à Harrow, en Angleterre. Son père s’intéresse à la musique et Rebecca commence à prendre des leçons de violon après avoir assisté à celles de son frère, Hans Thacher Clarke, de 15 mois son cadet. Elle commence ses études à la Royal Academy of Music en 1903, mais son père la retire en 1905 après que son professeur d’harmonie, Percy Hilder Miles, l’a demandée en mariage (il lui léguera plus tard un violon Stradivarius dans son testament). Après avoir quitté la Royal Academy, elle effectue le premier de ses nombreux séjours à New York, puis fréquente le Royal College of Music (1907-1910) et devient ainsi l’une des premières étudiantes en composition de Charles Villiers Stanford. Son Thème et Variations pour piano date de cette période.
Sous l’impulsion de Stanford, elle passe du violon à l’alto, au moment où ce dernier commence à être considéré comme un instrument soliste légitime. Elle étudie avec Lionel Tertis, considéré par certains comme l’un des meilleurs violonistes de l’époque. En 1910, elle compose un arrangement de poésie chinoise intitulé « Tears », en collaboration avec un groupe d’autres étudiants du RCM. Elle chante également sous la direction de Ralph Vaughan Williams dans un ensemble d’étudiants formé par Clarke pour étudier et jouer la musique de Giovanni Pierluigi da Palestrina.
Après les critiques suscitées par ses aventures extraconjugales, son père la met à la porte et lui coupe les vivres. Elle doit quitter le Royal College en 1910 et gagne sa vie en jouant de l’alto. Elle est l’une des premières professionnelles de l’instrument (avec Jessie Grimson) lorsque Henry Wood l’engage pour jouer dans l’orchestre du Queen’s Hall en 1912. En 1916, elle s’installe aux États-Unis pour poursuivre sa carrière artistique. Elle compose une courte pièce pour alto et piano intitulée Morpheus, signée sous le pseudonyme d’Anthony Trent. Elle est créée en 1918 à l’occasion d’un récital de la violoncelliste May Mukle à New York. Les journalistes présents ont fait l’éloge de l’œuvre de Trent, sans mentionner les œuvres signées par Clarke et créées lors du même récital.
Sa carrière de compositeur atteint son apogée avec la Sonate pour alto et piano, qu’il présente à un concours en 1919 parrainé par Elizabeth Sprague Coolidge (voisine de Clarke et mécène). Soixante-douze compositeurs se sont présentés, et la sonate de Clarke s’est classée première, avec une composition d’Ernest Bloch. Coolidge déclara plus tard que seul Bloch était le vainqueur. Les journalistes ont émis l’hypothèse que le nom de Rebecca Clarke pourrait également être un pseudonyme de Bloch, ou du moins que Clarke ne pouvait pas avoir écrit ces pièces, car l’idée qu’une femme puisse écrire une œuvre d’une telle beauté était socialement inconcevable. La sonate a été très bien accueillie et a été créée au Berkshire Music Festival en 1919. En 1921, Clarke a de nouveau présenté un trio pour piano au concours Coolidge, mais elle ne l’a pas remporté. En 1923, elle compose une rhapsodie pour violoncelle et piano, parrainée par Coolidge, ce qui fait d’elle la seule femme à bénéficier de son patronage. Ces trois œuvres représentent l’apogée de la carrière de compositrice de Clarke.
En 1924, elle entame une carrière de soliste et d’interprète d’ensemble à Londres, après avoir effectué un premier tour du monde entre 1922 et 1923. En 1927, elle participe à la formation de l’English Ensemble, un quatuor de piano qui la regroupe avec Marjorie Hayward, Kathleen Long et May Mukle. Elle a également réalisé plusieurs enregistrements entre 1920 et 1930, et participé à des émissions musicales de la BBC. Son activité de compositrice diminue considérablement au cours de ces années, mais elle continue à se produire et participe à l’Exposition coloniale de Paris en 1931 au sein de l’English Ensemble. Entre 1927 et 1933, elle entretient une relation amoureuse avec le baryton britannique John Goss, de huit ans son cadet et marié à l’époque. Plusieurs de ses œuvres de maturité ont été créées, dont deux lui ont été dédiées, June Twilight et The Seal Man. Tiger, Tiger, achevée au moment où leur relation prenait fin, s’est avérée être sa dernière composition pour voix seule jusqu’au début des années 1940.
Lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate, Clarke se trouve aux États-Unis pour rendre visite à ses deux frères et n’obtient pas de visa pour rentrer en Grande-Bretagne. Elle vit un temps dans les familles de ses frères puis, en 1942, devient gouvernante dans une famille du Connecticut. Elle compose dix œuvres entre 1939 et 1942, dont sa Passacaglia on an Old English Tune. Elle avait rencontré James Friskin (compositeur, pianiste et membre fondateur de la Juilliard School) alors qu’ils étaient tous deux étudiants au Royal College of Music. Ils ont renoué leur amitié après une rencontre fortuite à Manhattan en 1944, et se sont mariés en septembre de la même année, alors qu’ils avaient tous deux la cinquantaine. Selon la musicologue Liane Curtis, Friskin « était un homme qui lui donnait un sentiment d’équilibre et de profonde satisfaction ».
Curtis a décrit Clarke comme l’un des plus importants compositeurs britanniques de l’entre-deux-guerres, et Stephen Banfield comme le compositeur britannique le plus distingué de la génération de l’entre-deux-guerres. Cependant, sa production tardive est sporadique, car elle souffre de dysthymie (une forme chronique de dépression) ; le manque de stimulation et, parfois, le découragement explicite qu’elle subit de la part de ses compositeurs, la rendent réticente à composer. Elle se sent incapable de concilier sa vie personnelle avec les exigences de la composition : « Je ne peux le faire que si c’est la première chose à laquelle je pense chaque matin en me levant et la dernière chose à laquelle je pense chaque fois que je vais me coucher ». Après son mariage, elle a cessé de composer, malgré le soutien de son mari, bien qu’elle ait continué à faire des arrangements jusqu’à peu de temps avant sa mort, et elle a également cessé de se produire. Elle cesse également de se produire. Ses silences compositionnels sont attribués à la pression sociale et familiale.
Elle vend le Stradivarius dont elle a hérité et crée le prix May Mukle à la Royal Academy. Après la mort de son mari en 1967, elle commence à écrire ses mémoires, I Had a Father Too (or the Mustard Spoon), qu’elle achève en 1973 mais ne publie jamais. Elle y décrit ses premières années, marquées par les coups fréquents de son père et des relations familiales tendues qui ont affecté sa perception de sa place dans la vie. Elle est décédée le 13 octobre 1979 à son domicile de New York, à l’âge de 93 ans, et a été incinérée.
Travail
Une grande partie de la musique de Rebecca fait appel à l’alto, car elle a été interprète professionnelle pendant de nombreuses années. Une grande partie de sa production musicale a été écrite pour elle-même et pour les ensembles de chambre féminins dans lesquels elle a joué, notamment le Norah Clench Quartet, l’English Ensemble et les d’Aranyi Sisters. Elle a également effectué des tournées dans le monde entier, notamment avec la violoncelliste May Mukle. Ses œuvres ont été influencées par plusieurs tendances de la musique classique du XXe siècle. Il connaissait également plusieurs des principaux compositeurs de l’époque, tels qu’Ernest Bloch et Maurice Ravel, auxquels son œuvre a été comparée.
L’impressionnisme de Debussy est souvent mentionné en relation avec l’œuvre de Clarke, en particulier dans ses textures luxuriantes et ses harmonies modernistes. La Sonate pour alto et piano (publiée la même année que la sonate pour alto de Bloch et Hindemith) en est un exemple, avec son thème d’ouverture pentatonique, ses harmonies denses, sa nature émotionnellement intense et densément texturée, et sa complexité rythmique. Cette sonate fait toujours partie du répertoire standard de l’alto. Morpheus, composée un an plus tôt, est sa première œuvre de grande envergure, après plus d’une décennie de chansons et de miniatures. La Rhapsodie que Coolidge a parrainée est l’œuvre la plus ambitieuse de Clarke : il s’agit d’une œuvre brute de vingt-trois minutes, avec des idées musicales complexes et des tonalités ambiguës qui contribuent aux humeurs de l’œuvre. En revanche, « Midsummer Moon », écrite un an plus tard, est une miniature légère, avec une ligne de violon solo flottante.
Outre sa musique de chambre pour cordes, il a écrit de nombreuses chansons. Presque toutes les premières chansons qu’il a composées sont pour voix seule et piano. Son Tiger, Tiger of 1933, un arrangement du poème de Blake The Tyger, est sombre et inquiétant, presque expressionniste. Elle y a travaillé pendant cinq ans, excluant d’autres œuvres pendant sa relation tumultueuse avec John Goss, et l’a revisité en 1972. La plupart de ses chansons sont de nature plus légère. Ses premières œuvres étaient des chansons de salon et il a ensuite construit un corpus d’œuvres s’inspirant principalement des textes classiques de Yeats, Masefield et A. E. Housman.
Sa dernière période prolifique se situe entre 1939 et 1942, vers la fin de sa carrière de compositeur, lorsque son style devient plus clair et plus contrapuntique, avec une emphase sur les éléments moteurs et les structures tonales, caractéristiques du néoclassicisme. Dumka (1941), pour violon, alto et piano, reflète les styles folkloriques de l’Europe de l’Est, tout comme Bartók et Martinu. La Passacaglia on an Old English Tune, également de 1941 et créée par Clarke elle-même, est basée sur un thème attribué à Thomas Tallis qui apparaît tout au long de l’œuvre. La pièce est modale par goût, principalement dans le mode dorien, et s’aventure dans le mode phrygien, rarement entendu. Elle est dédiée à « BB », apparemment sa nièce Magdalena ; les experts ont supposé que le dédicataire le plus probable était Benjamin Britten, qui avait organisé un concert pour commémorer la mort de Frank Bridge, l’ami de Clarke et une grande influence sur elle. Le Prélude, Allegro et Pastorale, également composé en 1941, est une autre pièce influencée par le néoclassicisme et écrite pour clarinette et alto (à l’origine pour son frère et sa belle-sœur).
Héritage
Clarke n’a pas composé d’œuvres de grande envergure telles que des symphonies. Son œuvre totale comprend cinquante-deux chansons, onze œuvres chorales, vingt-et-une pièces de chambre, le trio pour piano et la sonate pour alto. Son œuvre a été presque oubliée pendant une longue période, mais l’intérêt qu’elle suscitait a été ravivé en 1976 après une émission de radio organisée à l’occasion de son quatre-vingt-dixième anniversaire. Plus de la moitié de ses compositions restent inédites et en possession de ses héritiers, de même que la plupart de ses écrits. Cependant, au début des années 2000, un plus grand nombre de ses œuvres ont été imprimées et enregistrées. Parmi les publications récentes, citons deux quatuors à cordes et Morpheus, publié en 2002.
L’accueil moderne de son œuvre a été généralement positif. Une critique de 1981 sur sa Sonate pour alto l’a qualifiée de « pièce réfléchie et bien construite » d’un compositeur relativement obscur ; une critique de 1985 a noté son « intensité émotionnelle et l’utilisation de couleurs sombres ». Andrew Achenbach, dans sa critique d’un enregistrement d’Helen Callus de plusieurs œuvres de Clarke, a qualifié Morpheus de « saisissant » et de « langoureux ». Laurence Vittes a noté que « Lullaby » était « extrêmement douce et tendre ». Une critique de 1987 a conclu qu' »il semble étonnant qu’une musique aussi splendidement écrite et profondément émouvante soit restée dans l’obscurité pendant toutes ces années ».
La Sonate pour alto et piano a fait l’objet du sondage Building a Library de BBC Radio 3 le 17 octobre 2015. La meilleure recommandation, choisie par Helen Wallace, était celle de Tabea Zimmermann (alto) et Kirill Gerstein (piano). En 2017, BBC Radio 3 a consacré cinq heures à sa musique en tant que compositrice de la semaine. 2019 a vu les célébrations du centenaire de la Sonate pour alto et piano, qui l’a fait connaître au public. L’œuvre est aujourd’hui largement acclamée. Au cours des dernières décennies du XXe siècle, grâce à l’impulsion des études de genre musicologiques, les œuvres de Rebecca Clarke ont été remises au goût du jour.
En septembre 2000, la Rebecca Clarke Society a été fondée pour promouvoir l’interprétation, l’étude et la connaissance des œuvres de Rebecca Clarke. Fondée par les musicologues Liane Curtis et Jessie Ann Owens et basée au Women’s Studies Research Center de l’université de Brandeis, la société a encouragé l’enregistrement et l’étude de l’œuvre de la compositrice, y compris plusieurs représentations en première mondiale, des enregistrements de matériel inédit et de nombreuses publications.
La société a mis à disposition des compositions inédites provenant de la succession de Clarke. Binnorie », une chanson de douze minutes basée sur le folklore celtique, a été découverte en 1997 et n’a été publiée qu’en 2001. Depuis la création de la société, plus de vingt-cinq œuvres inconnues jusqu’alors ont été publiées. Plusieurs œuvres de chambre de Clarke, dont la vaste Rapsocia pour violoncelle et piano, et le Cortège pour piano solo (1930), dédié à William Busch et créé par lui, ont été enregistrées pour la première fois en 2000 sur le label Dutton, à partir de matériel provenant de la succession de la compositrice. En 2002, la Rebecca Clarke Society a organisé et parrainé les premières mondiales des sonates pour violon de 1907 et 1909.
La directrice de la Rebecca Clarke Society, Liane Curtis, est l’éditrice de A Rebecca Clarke Reader, publié à l’origine par Indiana University Press en 2004. Le livre a été retiré de la circulation par l’éditeur à la suite de plaintes de l’actuel gestionnaire de la succession Clarke concernant la citation d’exemples non publiés d’écrits de Clarke. Cependant, le livre a depuis été réédité par la Rebecca Clarke Society elle-même.